L’art contemporani a Castelló sempre ha sigut un camí difícil d’obrir i travessar per als artistes i professionals del sector, per la qual cosa és digne de menció com de nou les dones s’erigeixen pioneres per a trencar aquestes barreres i portar-nos directes al segle XXI, mostrant-se tal com són, sense por i enfrontant la necessitat del canvi que demanda la societat. Són elles les que experimenten amb el llenguatge, les formes, la tecnologia, generant una nova mirada sobre el món que ens circumda.

Ja no es tracta només de recuperar la memòria de la creació artística de les dones artistes sinó d’impulsar i donar suport al seu treball des del present per a assegurar un futur a la nostra ciutat. Un futur on la dona no sols estiga present en les representacions com a objecte artístic, sinó també com a subjecte creador en totes les col·leccions de museus i centres d’art; on no existisca un únic mes de la dona sinó dotze i en els quals no es jutge o esbiaixe el seu art només per la seua condició de dona.

Castelló està vivint un renàixer artístic gràcies a dones com Rossana Zaera, Pilar Beltrán o Mar Arza que han aplanat el camí d’una nova generació que ve trepitjant fort. Em referisc a les artistes nascudes entre la dècada dels huitanta i noranta del segle XX. Una generació que s’alça lluitadora i treballadora, pel fet que, en temps de crisi, en els quals ser artista s’ha convertit més que mai en una vocació i una raó de ser, han aconseguit forjar-se una carrera i un nom en el món de l’art. Són artistes, totes elles, multidisciplinàries i molt dispars, però amb un mateix punt de partida, Castelló, terra que les ha vist créixer i emprendre les seues respectives carreres. Cadascuna d’elles ha conreat el seu propi estil a partir de tècniques diferents: des de l’escultura, la pintura, el gravat, la fotografia, la performance a la videocreació.

Aquest és un grup de dones al qual li ha tocat exercir de frontissa, que ha viscut la transició i el canvi definitiu entre l’era analògica i la digital, entre l’EGB i l’ESO… Un fet que, sens dubte, ha condicionat a més d’una a l’hora de concebre les seues obres perquè s’han decantat per la investigació i introducció de les noves tecnologies. Tant és així, que proliferen les instal·lacions de tècnica mixta, així com l’ús d’eines i acabats en format digital i audiovisual, que han modernitzat i situat a Castelló dins del món de l’art contemporani. Encara que per a això, moltes d’elles s’han vist obligades a viatjar i a viure fora, buscant nous camins i oportunitats que, en alguns casos, els han sigut vetats ací. Berlín o Londres han sigut algunes de les destinacions triades per a formar-se i nodrir-se de les últimes tendències artístiques. Aquestes artistes han sabut prendre el testimoni de les generacions passades i reinventar-se, aplicant i fusionant tècniques, suports i materials, que reinterpreten i convergeixen creant un nou estil de temàtica i tècnica renovada, on allò tradicional transmuta en una cosa totalment actual.

Aquest col·lectiu ha sabut adaptar-se al ritme frenètic de les noves tecnologies, internet i les xarxes socials, així com realitzar peces molt més crítiques i reflexives sobre l’entorn que ens envolta, compromesos tant amb l’espaitemps com amb la societat, aconseguint crear un art de denúncia amb caràcter reivindicatiu, que convida a meditar sobre el paper de la dona en la Història de l’Art, l’espiritualitat en el segle XXI, la crisi socioeconòmica, la gestió i el creixement urbanístic, el pensament humà, el llenguatge i la paraula, etc. I, sobretot, unes artistes que lluiten pels seus drets, per la professionalitat i el reconeixement del seu treball, i que aposten per una gestió cultural de qualitat on predomine la transparència, les bones pràctiques, l’autonomia i la igualtat en unes institucions, tant públiques com privades, que valoren i donen suport a la seua tasca envers la ciutat exercint d’ambaixadores de la nostra cultura, portant amb elles, les seues arrels i important altres noves que enriqueixen i afavoreixen el desenvolupament i creixement artístic contemporani de Castelló.

I tot això es deu al fet que les dones ens estem pensant, com bé assenyala l’escriptora madrilenya Marta Sanz en Tsunami (2019): “Les dones ens estem pensant. També les velles i les xiquetes que no poden quedar-se embarassades ni responen a l’estereotip traumàtic de dona desitjable i suposadament plenes. Ens pensem totes, d’una manera intergeneracional. Ens mirem de cara i no de reüll. Fora reülls. Fora desconfiances. […] De mans, peus i cossos castigats pel treball, el domini, el silenci, la interpretació asfixiant d’una idea d’amor – làpida. I d’altres monòlits.”[1] Eixe pensament, segons Sanz, sorgeix des de la consciència dels nostres desavantatges de gènere, podria servir fins i tot per a suturar altres ferides: la desigualtat de classe, raça, procedència, salut, opció sexual… “Busquem un feminisme integrador amb el qual es puguen sentir identificades i solidàries totes les dones i no sols les que es preocupen pels sostres de cristall. […] Estem vivint un canvi de paradigma. És un temps d’arrels i fonamentacions. Cada vegada més dones volem […] mirar-nos i remirar-nos per a reconstruir-nos”.[2] I en el món de l’art succeeix el mateix, després del silenci i l’absència de moltes d’elles, ha arribat el seu moment. El moment de pensar-se, mirar-se i interpretar-se i, sense dubte, aquestes dones ho estan fent, generant un nou moviment a la nostra província en el qual unides s’alcen segures i fortes des de la seua pròpia particularitat. Dones que lluiten per despullar-se de la “male gaze” que ja va advertir i encunyà en 1975 la teòrica Laura Mulvey, qui va denunciar com se solia situar a l’espectador/a en el punt de vista masculí –l’home mirava i la dona era mirada–. I que s’enllaça amb el que va escriure la historiadora de l’art Patricia Mayayo en Historias de mujeres, historias del arte (2003) sobre: “la hipervisibilitat de la dona com a objecte de representació i la invisibilitat persistent com a subjecte creador.”[3]; i amb el que va promulgar la historiadora i teòrica feminista Sheila Rowbotham: “ens coneixem a nosaltres mateixes a través de les dones fetes per homes”[4]. Sense dubte, un intent de revelar l’ús inconscient del patriarcat en els codis de representació, que vindria a traslladar-se i a reproduir-se i perpetuar l’estructura del poder patriarcal vigent. I amb el que aquestes dones s’enfronten en el seu dia a dia per a poder produir la seua pròpia mirada, i, sobretot, perquè se les tinga en compte dins del panorama artístic de la província.

 

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En definitiva, és aquest un grup que a poc a poc ha sabut obrir-se un camí a través del cercle viciós artístic de la província de Castelló, on la societat estava poc receptiva a l’art contemporani que abanderaven i atresoraven alguns artistes que han copat el món artístic i que generacions masculines posteriors han continuat i perpetuat, emportant-se amb tota possibilitat de canvi fins que aquestes dones han sabut obrir una escletxa entre el patriarcat i el proteccionisme d’aquests artistes per a portar la diversitat, l’experimentació i la innovació a l’art contemporani. Les dones són el futur i el futur artístic de Castelló és i depén totalment d’elles. Noms com Alba Eina, María Gargallo, Altea Grau, Lucía Moya, Ana Sansano, Marta Negre, Paula Bonet, Teresa Herrador, Gema Quiles, Ainhoa Salas, Cristina Santos, Marta F. Gimeno, Laura Palau, Ruth Diago, Angie Vera, Cassandra Bolumar, Pilar Ramo o Lara Ordoñez entre altres, han aflorat seguint el deixant de Mar Arza, Pilar Beltrán, Ester Pegueroles, Rossana Zaera, Julia Galán, Claudia de Vilafamés, Rosa Fuentes, Amparo Dols o Beatriz Guttmann, etc. i, sobretot, gràcies a la labor i l’esforç de la galerista i artista Pilar Dolz Mestre, una dona que ha establert un precedent històric en la nostra comunitat i un referent per a totes les dones de Castelló, una dona que ha apostat i donat suport a l’art contemporani des de que va obrir la seua pròpia galeria en 1974, hui convertida en un espai de culte per al sector artístic no sols en l’àmbit local sinó també nacional. La Galeria Cànem és un aparador de les diferents disciplines artístiques de l’art contemporani que ha apostat per la pluralitat i la diversitat sempre a l’avantguarda artística.

Així doncs, ens disposem a realitzar un recorregut per les principals creadores contemporànies de la nostra província revelant les seues característiques principals i el seu paper transgressor envers l’art contemporani.

 

[Paula Bonet (Vila-real, 1980)]

El seu treball comprén la pintura com, el dibuix i el gravat. Com a il·lustradora, el seu estil destaca per una tècnica amb una gran presència de línies i colors vibrants sobre fons blanc, així com experimenta amb diversos materials com el coure o la fusta. Combina en el seu dibuix el bolígraf i tinta xinesa, amb l’aquarel·la o l’acrílic per a aconseguir un acabat més ràpid i fresc al qual introdueix fragments de text. El seu estil es caracteritza per ser íntim i personal i la seua obra sol estar carregada de poesia. Bonet és una artista compromesa amb la societat, les arts escèniques, la música i la literatura, però, sobretot, amb el feminisme. Artista mediàtica i activista, Bonet  ha sabut explorar i experimentar amb diferents tècniques i formats la seua obra  fins a crear un estil propi molt particular i característic que la fa inconfusible.

 

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©Paula Bonet, Algrafías Taller 99, Santiago de Chile (2018).

 

 

[Ruth Diago (Castelló de la Plana, 1995)]

Ruth Diago amb els seus projectes fotogràfics actuals concep la fotografia com un punt de partida, un preàmbul, per a indagar i reflexionar sobre l’entorn que ens circumda. El seu treball parteix de la pràctica de l’observació dels aspectes més íntims davant una realitat que se’ns presenta comuna i ordinària. Així doncs, enfronta la intimitat per a percebre i captar com es veu embolicada en continus canvis. Persegueix una imatge, més aviat, una mirada subjectiva capaç d’interpretar, deslocalitzar i transformar l’essència d’un espai en concret. I ho fa amb la idea en ment del fet de deambular, de la mateixa manera que adquireix l’actitud quotidiana dels transeünts. Aqueix moviment i aqueix sentiment d’habitar i transitar els llocs és el que l’ha portada a valorar i buscar tant allò quotidià com tota situació que es puga considerar habitual, de la mateixa manera que recerca i indaga en qualsevol acte i/o acció que siga monòtona i mecànica que realitzem inconscientment, quasi automàticament cada dia, com el fet de desplaçar-nos per la ciutat per a anar al treball a peu o amb cotxe…

 

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©Ruth Diago, Palimpsesto (2017). Fotografía.

 

[Alba Eina [Alba Martínez] (Castelló de la Plana, 1990)]

Artista multidisciplinària de la qual la principal eina és el joc compositiu que produeix a través de l’equilibri que li proporciona el color i la matèria i com aquest últim redefineix l’espai tridimensional. La seua obra es desenvolupa i s’expandeix gràcies a les formes matèriques i al color que introdueix, esguitant la blancor de les seues peces ceràmiques conjugant l’espai amb la llum que infon en elles. El seu estil fresc i vibrant recrea un imaginari propi i personal, que, lluny de caure en l’absurd, ens transporta al món de l’oníric al mateix temps que ens indueix a mirar-lo amb els ulls del xiquet o la xiqueta que vam ser i a gaudir-lo amb total naturalitat.

En definitiva, la seua obra es caracteritza tant per la seua minuciositat i detallisme com per l’infantilisme que es reflecteix en cadascuna de les seues composicions. Composicions en les quals l’artista juga experimentant i esprement al màxim les possibilitats que li ofereix la matèria i el color a la recerca de la conjunció perfecta que li proporcione harmonia.

 

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© Alba Eina, Sin título (2009). Técnica mixta.

 

[Marta F. Gimeno (Betxí, 1993)]

L’obra de l’artista fluctua entre la relació del passat amb el present i com, amb el pas del temps, s’arriba a modificar un espai, així com la manera en què ens relacionem i ens comuniquem els uns amb els altres dins d’aquest. A l’artista li interessa explorar tots els aspectes que muten en contextos historicosocials diferents, és a dir, esbrinar i descobrir si hi ha qüestions constants en el transcurs de la història i per què. A primera vista, potser sembla un exercici simple de comparació, però el seu objectiu no és el de jutjar ni avaluar de manera positiva o negativa, sinó endinsar-se en altres realitats, que a vegades, releguem o allunyem o senzillament descurem a favor d’unes altres. Així doncs, Gimeno intenta plantejar-se sempre un exercici des de certa distància i de manera crítica, en què la imatge li servisca com a punt de partida i li permet acostar-se a altres imaginaris que, de sobte, poden tornar-se pròxims, fins i tot familiars. Amb tot, l’artista desenvolupa els seus projectes artístics entorn dels conceptes de postmemòria, plataformes virtuals i territori, sobretot, a través de la fotografia i especialment treballant mitjançant la imatge i el concepte d’arxiu.

 

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© Marta F. Gimeno, Grupo de familia (2015). Inyección de tinta sobre papel.

 

[María Gargallo Agut (Castelló de la Plana, 1990)]

Aquesta artista treballa i analitza el gravat des d’una nova perspectiva on es qüestiona el que s’ha considerat gravat fins ara i el que podria arribar a considerar-se hui dia. És més, gràcies al procés de treball en si mateix es podria parlar d’un nou concepte que ella mateixa ha decidit anomenar “gravat expandit”. Una tècnica que naix de la necessitat del canvi i innovació que requereix la nostra societat i que s’assentisca en la contemporaneïtat i, per consegüent, en l’estudi que demanda l’actualitat. Una obra on es considera de vital importància l’entorn, així com tractar amb els objectes típics de la nostra quotidianitat com una part integrant de nosaltres mateixos, que lluny de ser rutinaris i anecdòtics, Gargallo està disposada a analitzar-los amb la intenció de revelar el seu interés més enllà del seu possible valor estètic. Podria dir-se que el seu treball se centra a observar, repensar i valorar les coses xicotetes que passen desapercebudes per a la majoria de les persones. Al mateix temps que ens fa conscients del sentit del tacte, en una cultura en la qual predomina el visual.

 

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©María Gargallo, Detalle de instalación Orgánico (2017). Técnica mixta.

 

[Altea Grau (Castelló de la Plana, 1985)]

L’obra d’Altea Grau explora les confluències entre diferents llenguatges poètics. Mitjançant idees lligades íntimament al concepte de pàgina, com la dualitat, el ressò, el reflex i la noció de plec, l’artista desenvolupa un discurs propi on la noció de pàgina s’estén convertint-se en un espai expandit. Un espai on la materialitat de la imatge, el text, la tinta i el paper coexisteixen. El seu treball investiga el diàleg que existeix entre les connotacions i idees associades a la pàgina, desafiant i desemmascarant els processos comunicatius convencionals. En la seua obra la seua intenció és generar significat a través d’una repercussió simbòlica, realçant les qualitats matèriques que evoca el concepte de pàgina.

Espais diàfans i envolupants que permeten a l’espectador sentir-se part integrant de l’obra. Una obra que es caracteritza per deixar petjades en el mateix acte de confluir. Idees, circumstàncies, propòsits, records, cerques i desitjos que amb el pas del temps s’han anat gestant fins a alliberar-se en el mateix acte de creació. Altea Grau aconsegueix amb  les seues obres conduir-nos per un viatge de sensacions, narrant-nos una història, la seua pròpia, i per a això se serveix de textos, frases i paraules.

 

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©Altea Grau, Mirrored Conversations (2017). Grabado, técnica mixta.

 

[Teresa Herrador (Castelló de la Plana, 1983)]

Aquesta artista visual i il·lustradora insufla vida a cadascuna de les seues històries i personatges a través del llapis.  Per a ella el dibuix és la base del seu art mitjançant el qual tracta de traduir, amb el seu propi llenguatge, una visió pròpia del món. Ella mateixa afirma que se sent més còmoda amb el terme ‘dibuixant’ perquè la seua manera de produir imatges es mou més en aqueix terreny. No li interessa tant proposar un punt de vista radicalment innovador en l’art; i al fet que el seu treball s’emmarca més aviat en la poètica d’una faedora o artesana. El veritablement important en la seua obra és com crea imatges que continguen significat, que no siguen un mer embolcall, i, sobretot, que arriben a emocionar i a connectar amb el públic. I de fet connecten perquè ha sabut lligar la temàtica de la seua obra amb el territori que l’envolta. I és que per a ella Castelló és una font inesgotable d’inspiració gràcies a la seua estratègica i magnífica situació geogràfica. Així doncs, les seues peces ens ofereixen una connexió immediata amb el paisatge, una circumstància que ha produït que l’artista aprecie el valor de la terra, i conree una visió una miqueta romàntica de l’art i la societat, molt més subjecta a l’entorn físic natural.

 

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©Teresa Herrador, En el bosque (2011). Técnica mixta, collage.

 

[Lucía Moya (Castelló de la Plana, 1988)]

L’artista Lucía Moya pretén crear i mantenir un diàleg entre la instal·lació i l’obra gràfica, sense que el gravat perda la seua essència, multiplicant les seues possibilitats conceptualment i expositivament. Treballa extraient l’obra gràfica del seu suport tradicional, el paper, que trasllada a una altra mena de suports en forma d’instal·lacions. Moya està acostumada a treballar de forma molt polida perquè en el gravat és essencial, ja que els materials són especialment costosos i delicats, per aquest motiu les seues obres resulten tan pures, delicades i elegants. Li interessa l’efímer i volàtil, així com tracta d’integrar la lleugeresa i la fragilitat dels elements de l’espai que ens envolten, travessant els límits del gravat sense perdre el seu particular estil. La seua obra planteja una revisió del gravat i brinda una nova mirada molt més contemporània i actual que contrasta amb la tradició plàstica heretada.

 

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©Lucía Moya, Des / integrar (2018). Grabado, técnica mixta.

 

[Marta Negre (L’Alcora, 1981)]

Mitjançant la creació de vídeo, escriptura de textos i altres recursos, l’artista i també dissenyadora i il·lustradora tracta qüestions relatives als processos de creació, així com l’existència i naturalesa humanes, posant l’atenció en l’esdevenir de l’ésser humà contemporani, marcat per una forta sensació d’acceleració i buit. Les seues propostes reflexionen sobre la imatge i el seu contingut, generant significats o propiciant diàlegs amb el públic, però sobretot, versen sobre el pensament crític i la filosofia. Càpsules de vídeo o assajos visuals, la seua obra incideix, analitza i interpreta l’influx de certs autors i paradigmes de la nostra societat, caracteritzada per un sistema que interposa l’útil, l’econòmic i la immediatesa, i on l’àmbit de les humanitats queda relegat a un segon pla.

En definitiva, la seua composició visual part del seu propi imaginari que es produeix durant el procés del pensament abstracte en la mateixa creació. Una reflexió sobre el paper de la retentiva i la memòria en l’elaboració i selecció de conceptes i idees que circumden en ser contemporani.

 

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©Marta Negre, L’Intruse Parfaite (2018). Cápsula de video digital 16:9, color, sonido 2’30’’.

 

[Laura Palau Barreda (Benlloch, 1993)]

El seu treball versa sobre l’exploració de les tensions que pateix l’espai en la seua definició, conceptualització i/o representació. Concretament tracta d’esbrinar les pressions i les diferències entre el que es considera i s’entén per un espai de representació i per real i físic. Amb el procés fotogràfic visibilitza la tensió existent en la configuració de les imatges. En utilitzar aquest mitjà d’expressió, l’artista pretén explorar i alhora qüestionar la predisposició de la societat a creure en elles, és a dir, posa al descobert la fe que depositem en el culte a la imatge. Així mateix, en la seua obra se subratlla com les aparences i realitat conviuen en el nostre imaginari perceptiu donant lloc a la paradoxa. En aquest joc de mostratge i ocultació, en definitiva, d’il·lusions, la pràctica o l’exercici d’observar i submergir-se dins de l’anomenada cultura visual es torna cada vegada més etèria i difusa en veure’s exposada davant la fotografia, que gaudeix de la confiança del públic. Així doncs, Palau pretén experimentar i posar de manifest la problemàtica de la representativitat i la perspectiva intercedint amb el tractament de la suposada mateixa imatge des de tres formats diferents. I ho fa principalment atenent la problemàtica sobre els conceptes diferents que existeixen sobre la mirada i/o representació mitjançant l’experiència. Una experiència que s’aconsegueix gràcies a la relació que s’estableix amb la realitat mitjançant l’espai que s’habita fins a aconseguir familiaritzar-se amb ella completament.

 

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©Laura Palau, Las bañistas (2019). Fotografía.

 

[Lara Ordoñez (Castelló de la Plana, 1995)]

La seua obra tracta temes i estructures formals com el llibre d’artista i l’obra gràfica o la instal·lació, centrant-se en l’imaginari propi i col·lectiu amb les imatges fotogràfiques i d’arxiu familiar, que enllaça amb els contes clàssics de tradició oral, buscant les versions originals de les històries i estudiant les transcripcions i canvis que han patit al llarg del temps. Així doncs, Ordoñez treballa aquest imaginari des de la perspectiva de gènere, visibilitzant el paper que ocupen i desenvolupen les dones dins de la trama històrica, posant l’accent en els rols als quals han sigut sotmeses al llarg dels anys. I on el tema i la tècnica estan vinculats amb la intimitat i l’àmbit privat de la llar, de la mateixa manera que amb la formació d’identitats a partir de l’autoconeixement a mitjançant de les mateixes experiències en comunió amb un context sociocultural concret.

Les estructures formals del seu treball es basen principalment en les tècniques de reproducció gràfica i femmage, investigant el suport de la tela i la seua manipulació mitjançant tècniques gràfiques, així com processos de tintura amb elements naturals. Així mateix, el brodat i el teixit li permeten aplicar tècniques associades a l’àmbit privat i a la dona per a visibilitzar el paper que exerceixen i han exercit, generant un discurs formal i simbòlic totalment contemporani.

 

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©Lara Ordoñez, Estudi de territori. Cartografies de memòria (2019). Telas teñidascon elementos naturales.

 

[Gema Quiles Benedito (Vila-real, 1994)]

El seu treball sorgeix de la inquietud per acumular molts elements en un mateix espai. Amb un marcat caràcter acumulatiu, la seua obra se centra en la repetició del motiu dins d’un ordre establit que varia en funció del ritme compositiu, generant agrupacions d’elements que s’assemblen. Per tant les seues peces mostren una petjada col·lectiva dins del mateix suport que deixa aflorar una sèrie de relacions que es van formant gradualment. Allò veritablement important és el nexe i la comunió dels components que conformen la seua obra, on a poc a poc es va aprofundint en les relacions que sorgeixen en els diferents quadres, és a dir, en els vincles interns dels personatges dins de l’obra i en el diàleg que s’estableix en igual mesura tant amb el visitant com amb la resta de les peces. Així doncs, en la seua obra es contraposen els elements individuals amb els col·lectius, enfrontant als subjectes representats amb la mirada del visitant, que es presenten davant  de nosaltres/as en tensió sense saber si seran o no observats. Així doncs, l’imaginari artístic personal de la seua obra i la idea de multitud pictòrica va mutant en diferents vessants en funció del que envolta a la mateixa imatge que es comprén de manera atemporal.

 

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©Gema Quiles, S/T (2019). Cera y rotulador sobre papel.

 

[Ainhoa Salas (Castelló de la Plana, 1989)]

Artista multimèdia el treball del qual gira entorn de la cultura contemporània i la investigació, seguint un model d’interacció amb el públic més aviat de caràcter alternatiu. La seua pràctica artística se centra sobretot en les instal·lacions on treballa sobre objectes comuns, cent per cent recognoscibles per la societat, que tracta subversivament per a revelar el sensacionalisme i les estratègies de seducció que usen els mitjans de comunicació, així com denunciar la sobrecàrrega d’estímuls a la qual està sotmesa la ciutadania diàriament sense ser conscients d’això. Així mateix, la seua investigació personal i el seu interés apunta directament a l’ús de capacitats, mitjans i materials alternatius de l’usuari/a envers el control de les interfícies, és a dir, que Salas i el seu art se centra en les persones i la seua relació amb el mitjà que els envolta i conforma les seues vides.

Peces mecàniques que responen a estímuls, en els quals el ritme i el flux es repeteixen gràcies a sensors i a la programació informàtica. Sense dubte, un estil molt particular en la qual l’artista juga a apropiar-se i a descontextualitzar coses que es troba creant màquines absurdes, on aquests objectes i artefactes adquireixen una nova dimensió formal i estètica, transformant-se en objectes cridaners i atractius que, en la instal·lació, conformen un espai fresc i dinàmic, no exempt d’ironia.

 

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©Ainhoa Salas. GlogauAIR open studios II (2018). Instalación.

 

 

[Cristina Santos Muniesa (Vila-real, 1990)]

L’artista multidisciplinària Cristina Santos centra la seua investigació artística en com percebem i emprem les imatges a través de la quotidianitat de les pantalles. El seu treball versa sobre l’avorriment i la necessitat del ser contemporani davant una satisfacció visual contínua. Per tant, se serveix dels continguts existents en la xarxa per a transformar aqueixes imatges en una cosa absolutament abstracta, que el visitant veu i assimila com una cosa molt més allunyada de la realitat. La pràctica artística de Santos per tant explora tant el mitjà pictòric com el fotogràfic amb la intenció de fer reflexionar al públic sobre les imatges residuals que es creen amb l’acceleració de la percepció visual, és a dir, aquelles que no arribem a retenir i la interpretació i el significat de la qual ens resulta difícil de digerir. Ja que el món ha deixat de ser real tal com es coneixia perquè la seua imatge s’ha imposat. En l’actualitat, la veritat i/o realitat és ara una petjada ambigua del que va ser tàctil i present. Enfront de la pantalla, la imatge és ràpida i fàcil de produir, de consumir i planteja moltes preguntes entorn a la seua recopilació i conservació, ja que s’acumulen incessantment qüestionant la incògnita sobre quina i com s’hauria d’arxivar. Un excés que es revela vacu, on l’espectador/a es troba atrapat en una espiral contínua d’excitació visual que aconsegueix confondre i esgotar fins al punt de sintetitzar les imatges i portar-les a l’abstracció.

 

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©Cristina Santos, Todo (2016).
Acrílico y óleo sobre lienzo; fotografía e imagen digital; bastidores y tablas.

 

[Angie Vera (Borriana, 1989)]

Si per alguna cosa es caracteritza Angie Vera és per ser una artista plàstica. La seua obra es desenvolupa principalment mitjançant el dibuix i la pintura, dues tècniques que conjuga i sol traslladar a l’àmbit de l’urbà quan treballa en murals de gran format a la ciutat. Murals amb un marcat caràcter social i amb un missatge feminista, que la situen com una dona activista preocupada per donar a conéixer la història dels moviments feministes. Per a ella el seu art és la seua manera de mostrar-li a la gent que, li agrade o no, el feminisme existeix i fa molts anys que està en actiu. Per tant la seua obra versa sobre dones il·lustres que retrata perpetuant i evidenciant la seua causa i existència, però també sobre la quotidianitat que envolta i circumda a cadascuna de les dones retratades. Així mateix, Vera juga amb els colors i l’efecte que li confereix el blanc i negre, al mateix temps que explota les textures que la pintura i el dibuix li ofereixen en una era, on la tecnologia digital està presenten tot moment.

 

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©Angie Vera, fragmento del mural La Vía Invisible (2019). Pintura plástica.

 

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[1] SANZ, Marta (ed.). Tsunami, Madrid: Sexto Piso, 2019, p.11.

[2] SANZ, Marta (ed.). Tsunami, Madrid: Sexto Piso, 2019, p.12.

[3] MAYAYO, Patricia. Historias demujeres, historias del arte, Madrid: Ediciones Cátedra, 2003, p.21.

[4] ROWBOTHAM, Sheila. Woman’s Conciousness, Man’s World, Londres: Penguin, 1973, p.40.

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[versión en castellano]

El arte contemporáneo en Castellón siempre ha sido un camino difícil de abrir y atravesar para los artistas y profesionales del sector, por lo que resulta curioso cómo de nuevo las mujeres se erigen pioneras para romper estas barreras y llevarnos directos al siglo XXI, mostrándose tal y como son, sin miedo y enfrentando la necesidad del cambio que demanda la sociedad. Son ellas las que experimentan con el lenguaje, las formas, la tecnología, generando una nueva mirada sobre el mundo que nos circunda.

Ya no se trata solo de recuperar la memoria de la creación artística de las mujeres artistas sino de impulsar y respaldar su trabajo desde el presente para asegurar un futuro en nuestra ciudad. Un futuro donde la mujer no solo esté presente en las representaciones como objeto artístico, sino también como sujeto creador en todas las colecciones de museos y centros de arte; donde no exista un único mes de la mujer sino doce y en los que no se juzgue o sesgue su arte por su condición de mujer.

Castellón está viviendo un renacer artístico gracias a mujeres como Rossana Zaera, Pilar Beltrán o Mar Arza que han allanado el camino de una nueva generación que viene pisando fuerte. Me refiero a las artistas nacidas entre la década de los ochenta y noventa del siglo XX. Una generación que se alza luchadora y trabajadora, debido a que, en tiempos de crisis, en los que ser artista se ha convertido más que nunca en una vocación y una razón de ser, han conseguido labrarse una carrera y un nombre en el mundo del arte. Son artistas, todas ellas, multidisciplinares y muy dispares, pero con un mismo punto de partida, Castellón, tierra que las ha visto crecer y emprender sus respectivas carreras. Cada una de ellas ha cultivado su propio estilo a partir de técnicas diferentes: desde la escultura, la pintura, el grabado, la fotografía, la performance a la videocreación.

Este es un grupo de mujeres al que le ha tocado ejercer de bisagra, que ha vivido la transición y el cambio definitivo entre la era analógica y la digital, entre la EGB y la ESO… Un hecho que, sin duda, ha condicionado a más de una a la hora de concebir sus obras porque se han decantado por la investigación e introducción de las nuevas tecnologías. Tanto es así, que proliferan las instalaciones de técnica mixta, así como el uso de herramientas y acabados en formato digital y audiovisual, que han modernizado y situado a Castellón dentro del mundo del arte contemporáneo. Aunque para ello, muchas de ellas se han visto obligadas a viajar y a vivir fuera, buscando nuevos caminos y oportunidades que, en algunos casos, les han sido vetados aquí. Berlín o Londres han sido algunos de los destinos elegidos para formarse y nutrirse de las últimas tendencias artísticas. Estas artistas han sabido tomar el testigo de las generaciones pasadas y reinventarse, aplicando y fusionando técnicas, soportes y materiales, que reinterpretan y convergen creando un nuevo estilo de temática y técnica renovada, donde lo tradicional transmuta en algo totalmente actual.

Este colectivo ha sabido adaptarse al ritmo frenético de las nuevas tecnologías, internet y las redes sociales, así como realizar piezas mucho más críticas y reflexivas sobre el entorno que nos rodea, comprometidos tanto con el espacio-tiempo como con la sociedad, logrando crear un arte de denuncia con carácter reivindicativo, que invita a meditar sobre el papel de la mujer en la Historia del Arte, la espiritualidad en el siglo XXI, la crisis socioeconómica, la gestión y el crecimiento urbanístico, el pensamiento humano, el lenguaje y la palabra, etc. Y, sobre todo, unas artistas que luchan por sus derechos, por la profesionalidad y el reconocimiento de su trabajo, y que apuestan por una gestión cultural de calidad donde predomine la transparencia, las buenas prácticas, la autonomía y la igualdad en unas instituciones, tanto públicas como privadas, que valoren y apoyen su labor para con la ciudad ejerciendo de embajadoras de nuestra cultura, llevando consigo sus raíces e importando otras nuevas que enriquecen y favorecen el desarrollo y crecimiento artístico contemporáneo de Castellón.

Y todo ello se debe a que las mujeres nos estamos pensando, como bien señala la escritora madrileña Marta Sanz en Tsunami (2019): “Las mujeres nos estamos pensando. También las viejas y las niñas que no pueden quedarse embarazadas ni responden al estereotipo traumático de mujer deseable y supuestamente plenas. Nos pensamos todas, de un modo intergeneracional. Nos miramos de frente y no con el rabillo del ojo. Fuera rabillos. Fuera desconfianzas. […] De manos, pies y cuerpos castigados por el trabajo, el dominio, el silencio, la interpretación asfixiante de una idea de amor -lápida. Y de otros monolitos.”[1] Ese pensamiento, según Sanz, surge desde la conciencia de nuestras desventajas de género, podría servir incluso para suturar otras heridas: la desigualdad de clase, raza, procedencia, salud, opción sexual… “Buscamos un feminismo integrador con el que se puedan sentir identificadas y solidarias todas las mujeres y no sólo las que se preocupan por los techos de cristal. […] Estamos viviendo un cambio de paradigma. Es un tiempo de raíces y cimentaciones. Cada vez más mujeres queremos […] mirarnos y remirarnos para reconstruirnos”. [2] Y en el mundo del arte sucede lo mismo, tras el silencio y la ausencia de muchas de ellas, ha llegado su momento. El momento de pensarse, mirarse e interpretarse y, sin lugar a duda, estas mujeres lo están haciendo, generando un nuevo movimiento en nuestra provincia en el que unidas se alzan seguras y fuertes desde su propia particularidad. Mujeres que luchan por despojarse de la “male gaze” que ya advirtió y acuño en 1975 la teórica Laura Mulvey, quien denunció cómo se solía situar al espectador/a en el punto de vista masculino –el hombre miraba y la mujer era mirada–. Y que se enlaza con lo que escribió la historiadora del arte Patricia Mayayo en “Historias de mujeres, historias del arte” (2003) sobre: “la hipervisibilidad de la mujer como objeto de representación y la invisibilidad persistente como sujeto creador.”[3]; y con lo que promulgó la historiadora y teórica feminista Sheila Rowbotham: “nos conocemos a nosotras mismas a través de las mujeres hechas por hombres”[4]. Sin duda, un intento de revelar el uso inconsciente del patriarcado en los códigos de representación, que vendría a trasladarse y a reproducirse y perpetuar la estructura del poder patriarcal vigente. Y con lo que estas mujeres se enfrentan en su día a día para poder producir su propia mirada, y, sobre todo, para que se le tenga en cuenta dentro del panorama artístico de la provincia.

En definitiva, es este un grupo que poco a poco ha sabido abrirse un camino a través del círculo vicioso artístico de la provincia de Castellón, donde la sociedad estaba poco receptiva al arte contemporáneo que abanderaban y atesoraban algunos artistas que han copado el mundo artístico y que generaciones masculinas posteriores han continuado y perpetuado, llevándose consigo toda posibilidad de cambio hasta que estas mujeres han sabido abrir una brecha entre el patriarcado y el proteccionismo de estos artistas para traer la diversidad, la experimentación y la innovación en el arte contemporáneo. Las mujeres son el futuro y el futuro artístico de Castellón es y depende totalmente de ellas. Nombres como Alba Eina, María Gargallo, Altea Grau, Lucía Moya, Ana Sansano, Marta Negre, Paula Bonet, Teresa Herrador, Gema Quiles, Ainhoa Salas, Cristina Santos, Marta F. Gimeno, Laura Palau, Ruth Diago, Angie Vera, Cassandra Bolumar, Pilar Ramo o Lara Ordoñez entre otras, han aflorado siguiendo la estela de Mar Arza, Pilar Beltrán, Ester Pegueroles, Rossana Zaera, Julia Galán, Claudia de Vilafamés, Rosa Fuentes, Amparo Dols o Beatriz Guttmann, etc. y, sobre todo, gracias a la labor y el esfuerzo de la galerista y artista Pilar Dolz Mestre, una mujer que ha sentado un precedente histórico en nuestra comunidad y un referente para todas las mujeres de Castellón, una mujer que ha apostado y apoyado el arte contemporáneo desde que abrió su propia galería en 1974, hoy convertida en un espacio de culto para el sector artístico no solo a nivel local sino también nacional. La Galería Cànem es un escaparate de las distintas disciplinas artísticas del arte contemporáneo que ha apostado por la pluralidad y la diversidad siempre a la vanguardia artística.

Así pues, nos disponemos a realizar un recorrido por las principales creadoras contemporáneas de nuestra provincia revelando sus características principales y su papel trasgresor para con el arte contemporáneo.

[Paula Bonet (Vila-real, 1980)]

Su trabajo comprende la pintura como, el dibujo y el grabado. Como ilustradora, su estilo destaca por una técnica con una gran presencia de líneas y colores vibrantes sobre fondo blanco, así como experimenta con diversos materiales como el cobre o la madera. Combina en su dibujo el bolígrafo y tinta china, con la acuarela o el acrílico para conseguir un acabado más rápido y fresco al que introduce fragmentos de texto. Su estilo se caracteriza por ser íntimo y personal y su obra suele estar cargada de poesía. Bonet es una artista comprometida con la sociedad, las artes escénicas, la música y la literatura, pero, sobre todo, con el feminismo. Artista mediática y activista, Bonet  ha sabido explorar y experimentar con diferentes técnicas y formatos su obra  hasta crear un estilo propio muy particular y característico que la hace inconfundible.

 

[Ruth Diago (Castelló de la Plana, 1995)]

Ruth Diago con sus proyectos fotográficos actuales concibe la fotografía como un punto de partida, un preámbulo, para indagar y reflexionar sobre el entorno que nos circunda. Su trabajo parte de la práctica de la observación de los aspectos más íntimos ante una realidad que se nos presenta común y ordinaria. Así pues, enfrenta la intimidad para percibir y captar cómo se ve envuelta en continuos cambios. Persigue una imagen, más bien, una mirada subjetiva capaz de interpretar, deslocalizar y transformar la esencia de un espacio en concreto. Y lo hace con la idea en mente del deambular, del mismo modo que adquiere la actitud cotidiana de los transeúntes. Ese movimiento y ese sentimiento de habitar y transitar los lugares es lo que la ha llevado a valorar y buscar tanto lo cotidiano como toda situación que se pueda considerar habitual, del mismo modo que rebusca e indaga en cualquier acto y/o acción que pueda considerarse monótona y mecánica que realizamos inconscientemente, casi automáticamente todos los días, como el desplazarnos por la ciudad para ir al trabajo a pie o en coche…

 

[Alba Eina [Alba Martínez] (Castelló de la Plana, 1990)]

Artista multidisciplinar cuya principal herramienta es el juego compositivo que produce a través del equilibrio que le proporciona el color y la materia y cómo éste último redefine el espacio tridimensional. Su obra se desarrolla y se expande gracias a las formas matéricas y al color que introduce, salpicando la blancura de sus piezas cerámicas conjugando el espacio con la luz que infunde en ellas. Su estilo fresco y vibrante recrea un imaginario propio y personal, que, lejos de caer en lo absurdo, nos transporta al mundo de lo onírico al mismo tiempo que nos induce a mirarlo con los ojos del niño o la niña que fuimos y a disfrutarlo con total naturalidad.

En definitiva, su obra se caracteriza tanto por su minuciosidad y detallismo como por el infantilismo que se refleja en cada una de sus composiciones. Composiciones en las que la artista juega experimentando y exprimiendo al máximo las posibilidades que le ofrece la materia y el color en busca de la conjunción perfecta que le proporcione armonía.

 

[Marta F. Gimeno (Betxi, 1993)]

 La obra de la artista fluctúa entre la relación del pasado con el presente y como, con el paso del tiempo, se llega a modificar un espacio, así como la manera en que nos relacionamos y nos comunicamos los unos con otros dentro de este. A la artista le interesa explorar todos los aspectos que mutan en contextos histórico-sociales diferentes, es decir, averiguar y descubrir si hay cuestiones constantes en el transcurso de la historia y por qué. A primera vista, quizás parezca un ejercicio simple de comparación, pero su objetivo no es el de juzgar ni evaluar de manera positiva o negativa, sino adentrarse en otras realidades, que a veces, relegamos o alejamos o sencillamente descuidamos a favor de otras. Así pues, Gimeno intenta plantearse siempre un ejercicio desde cierta distancia y de manera crítica, en que la imagen le sirva como punto de partida y le permite acercarse a otros imaginarios que, de repente, pueden volverse cercanos, incluso familiares. Con todo, la artista desarrolla sus proyectos artísticos entorno a los conceptos de posmemoria, plataformas virtuales y territorio, sobre todo, a través de la fotografía y especialmente trabajando mediante la imagen y el concepto de archivo.

 

[María Gargallo Agut (Castelló de la Plana, 1990)]

Esta artista trabaja y analiza el grabado desde una nueva perspectiva donde se cuestiona lo que se ha considerado grabado hasta ahora y lo que podría llegar a considerarse hoy día. Es más, gracias al proceso de trabajo en sí mismo se podría hablar de un nuevo concepto que ella misma ha decidido llamar “grabado expandido”. Una técnica que nace de la necesidad del cambio e innovación que requiere nuestra sociedad y que se asienta en la contemporaneidad y, por consiguiente, en el estudio que demanda la actualidad. Una obra donde se considera de vital importancia el entorno, así como tratar con los objetos típicos de nuestra cotidianidad como una parte integrante de nosotros mismos, que lejos de ser rutinarios y anecdóticos, Gargallo está dispuesta a analizarlos con la intención de revelar su interés más allá de su posible valor estético. Podría decirse que su trabajo se centra en observar, repensar y valorar las cosas pequeñas que pasan desapercibidas para la mayoría de las personas. Al mismo tiempo que nos hace conscientes del sentido del tacto, en una cultura en la que predomina lo visual.

 

[Altea Grau (Castelló de la Plana, 1985)]

La obra de Altea Grau explora las confluencias entre diferentes lenguajes poéticos. A través de ideas ligadas íntimamente al concepto de página, como la dualidad, el eco, el reflejo y la noción de pliego, la artista desarrolla un discurso propio donde la noción de página se extiende convirtiéndose en un espacio expandido. Un espacio donde la materialidad de la imagen, el texto, la tinta y el papel coexisten. Su trabajo investiga el diálogo que existe entre las connotaciones e ideas asociadas a la página, desafiando y desenmascarando los procesos comunicativos convencionales. En su obra su intención es generar significado a través de una repercusión simbólica, realzando las cualidades matéricas que evoca el concepto de página.

Espacios diáfanos y envolventes que permiten al espectador sentirse parte integrante de la obra. Una obra que se caracteriza por dejar huellas en el mismo acto de confluir. Ideas, circunstancias, propósitos, recuerdos, búsquedas y deseos que con el paso del tiempo se han ido gestando hasta liberarse en el mismo acto de creación. Altea Grau logra a través de sus obras conducirnos por un viaje de sensaciones, narrándonos una historia, la suya propia, y para ello se sirve de textos, frases y palabras.

 

[Teresa Herrador (Castelló de la Plana, 1983)]

Esta artista visual e ilustradora insufla vida a cada una de sus historias y personajes a través del lápiz.  Para ella el dibujo es la base de su arte mediante el que trata de traducir, con su propio lenguaje, una visión propia del mundo. Ella misma afirma que se siente más cómoda con el término ‘dibujante’ porque su manera de producir imágenes se mueve más en ese terreno. No le interesa tanto proponer un punto de vista radicalmente innovador en el arte; y a que su trabajo se enmarca más bien en la poética de un hacedora o artesana. Lo verdaderamente importante en su obra es cómo crea imágenes que contengan significado, que no sean un mero envoltorio, y, sobre todo, que lleguen a emocionar y a conectar con el público. Y de hecho conectan porque ha sabido ligar la temática de su obra con el territorio que la rodea. Y es que para ella Castellón es una fuente inagotable de inspiración gracias a su estratégica y magnífica situación geográfica. Así pues, sus piezas nos ofrecen una conexión inmediata con el paisaje, un hecho que ha hecho que la artista aprecie el valor de la tierra, y cultive una visión un tanto romántica del arte y la sociedad, mucho más sujeta al entorno físico natural.

 

[Lucía Moya (Castelló de la Plana, 1988)]

La artista Lucía Moya pretende crear y mantener un diálogo entre la instalación y la obra gráfica, sin que el grabado pierda su esencia, multiplicando sus posibilidades a nivel conceptual y expositivo. Trabaja extrayendo la obra gráfica de su soporte tradicional, el papel, que traslada a otro tipo de soportes en forma de instalaciones. Moya está acostumbrada a trabajar de forma muy pulcra porque en el grabado es esencial, puesto que los materiales son especialmente caros y delicados, de ahí que sus obras resulten tan puras, delicadas y elegantes. Le interesa lo efímero y lo volátil, así como trata de integrar la ligereza y la fragilidad de los elementos del espacio que nos rodean, atravesando los límites del grabado sin perder su particular estilo. Su obra plantea una revisión del grabado y brinda una nueva mirada mucho más contemporánea y actual que contrasta con la tradición plástica heredada.

 

[Marta Negre (L’Alcora, 1981)]

Mediante la creación de vídeo, escritura de textos y otros recursos, la artista y también diseñadora e ilustradora trata cuestiones relativas a los procesos de creación, así como a la existencia y naturaleza humanas, poniendo la atención en el devenir del ser humano contemporáneo, marcado por una fuerte sensación de aceleración y vacío. Sus propuestas reflexionan sobre la imagen y su contenido, generando significados o propiciando diálogos con el público, pero sobre todo, versan sobre el pensamiento crítico y la filosofía. Cápsulas de vídeo o ensayos visuales, su obra incide, analiza e interpreta el influjo de ciertos autores y paradigmas de nuestra sociedad, caracterizada por un sistema que interpone lo útil, lo económico y la inmediatez, y donde el ámbito de las humanidades queda relegado a un segundo plano.

En definitiva, su composición visual parte de su propio imaginario que se produce durante el proceso del pensamiento abstracto en la misma creación. Una reflexión acerca del papel de la retentiva y la memoria en la elaboración y selección de conceptos e ideas que circundan al ser contemporáneo.

 

[Laura Palau Barreda (Benlloch, 1993)]

Su trabajo versa sobre la exploración de las tensiones que sufre el espacio en su definición, conceptualización y/o representación. Concretamente trata de averiguar las presiones y las diferencias entre lo que se entiende y considera por un espacio de representación y por real y físico. A través del proceso fotográfico visibiliza la tensión existente en la configuración de las imágenes. Al utilizar este medio de expresión, la artista pretende explorar y a la vez cuestionar la predisposición de la sociedad a creer en ellas, es decir, pone al descubierto la fe que depositamos en el culto a la imagen. Asimismo, en su obra se pone de relevancia cómo lo aparente y lo real conviven en nuestro imaginario perceptivo dando lugar a la paradoja. En este juego de mostración y ocultación, en definitiva, de ilusiones, la práctica o el ejercicio de observar y sumergirse dentro de la llamada cultura visual se vuelve cada vez más etérea y difusa al verse expuesta ante la fotografía, que goza de la confianza del público. Así pues, Palau pretende experimentar y poner de manifiesto la problemática de la representatividad y la perspectiva a través del tratamiento de la supuesta misma imagen desde tres formatos distintos. Y lo hace principalmente atendiendo la problemática sobre los conceptos diferentes que existen sobre la mirada y/o representación a través de la experiencia. Una experiencia que se consigue gracias a la relación que se establece con la realidad mediante el espacio que se habita hasta conseguir familiarizarse con ella completamente.

 

[Lara Ordoñez (Castelló de la Plana, 1995)]

Su obra trata temas y estructuras formales como el libro de artista y la obra gráfica o la instalación, centrándose en el imaginario propio y colectivo a través de las imágenes fotográficas y de archivo familiar, que enlaza con los cuentos clásicos de tradición oral, buscando las versiones originales de las historias y estudiando las transcripciones y cambios que han sufrido a lo largo de la historia. Así pues, Ordoñez trabaja dicho imaginario desde la perspectiva de género, visibilizando el papel que ocupan y desarrollan las mujeres dentro de la trama histórica, haciendo hincapié en los roles a los que han sido sometidas a lo largo de los años. Y donde el tema y la técnica están vinculados con la intimidad y el ámbito privado del hogar, del mismo modo que con la formación de identidades a partir del autoconocimiento a través de las propias experiencias en comunión con un contexto sociocultural concreto.

Las estructuras formales de su trabajo se basan principalmente en las técnicas de reproducción gráfica y femmage, investigando el soporte de la tela y su manipulación mediante técnicas gráficas, así como procesos de teñido mediante elementos naturales. Así mismo, el bordado y el tejido le permiten aplicar técnicas asociadas al ámbito privado y a la mujer para visibilizar el papel que desempeñan y han desempeñado, generando un discurso formal y simbólico totalmente contemporáneo.

 

[Gema Quiles Benedito (Vila-real, 1994)]

Su trabajo surge de la inquietud por acumular muchos elementos en un mismo espacio. Con un marcado carácter acumulativo, su obra se centra en la repetición del motivo dentro de un orden establecido que varía en función del ritmo compositivo, generando agrupaciones de elementos que se asemejan. Por lo que sus piezas muestran una huella colectiva dentro del propio soporte que deja aflorar una serie de relaciones que se van formando paulatinamente. Lo verdaderamente importante es el nexo y la comunión de los componentes que conforman su obra, donde poco a poco se va profundizando en las relaciones que surgen en los diferentes cuadros, es decir, en los vínculos internos de los personajes dentro de la obra y en el diálogo que se establece en igual medida tanto con el visitante como con el resto de las piezas. Así pues, en su obra se contraponen los elementos individuales con los colectivos, enfrentando a los sujetos representados con la mirada del visitante, que se presentan ante nosotros/as en tensión sin saber si van a ser o no observados. Así pues, el imaginario artístico personal de su obra y la idea de multitud pictórica va mutando en diferentes vertientes en función de lo que envuelve a la propia imagen que se comprende de manera atemporal.

 

[Ainhoa Salas (Castelló de la Plana, 1989)]

Artista multimedia cuyo trabajo gira entorno a la cultura contemporánea y a la investigación, siguiendo un modelo de interacción con el público más bien de carácter alternativo. Su práctica artística se centra sobre todo en las instalaciones donde trabaja sobre objetos comunes, cien por cien reconocibles por la sociedad, que trata subversivamente para revela el sensacionalismo y las estrategias de seducción que usan los medios de comunicación, así como denunciar la sobrecarga de estímulos a la que está sometida la ciudadanía diariamente sin ser conscientes de ello. Asimismo, su investigación personal y su interés apunta directamente al uso de capacidades, medios y materiales alternativos del usuario/a para con el control de las interfaces, es decir, que Salas y su arte se centra en las personas y su relación con el medio que les envuelve y conforma sus vidas.

Piezas mecánicas que responden a estímulos, en los que el ritmo y el flujo se repiten gracias a sensores y a la programación informática. Sin duda, un estilo muy particular en la que la artista juega a apropiarse y a descontextualizar cosas que se encuentra creando máquinas absurdas, donde estos objetos y artefactos adquieren una nueva dimensión formal y estética, transformándose en objetos llamativos y atractivos que, en la instalación, conforman un espacio fresco y dinámico, no exento de ironía.

 

[Cristina Santos Muniesa (Vila-real, 1990)]

La artista multidisciplinar Cristina Santos centra su investigación artística en cómo percibimos y empleamos las imágenes a través de la cotidianidad de las pantallas. Su trabajo versa sobre el aburrimiento y la necesidad del ser contemporáneo ante una satisfacción visual continua. Por tanto, se sirve de los contenidos existentes en la red para transformar esas imágenes en algo absolutamente abstracto, que el visitante ve y asimila como algo mucho más alejado de la realidad. La práctica artística de Santos por lo tanto explora tanto el medio pictórico como el fotográfico con la intención de hacer reflexionar al público sobre las imágenes residuales que se crean con la aceleración de la percepción visual, es decir, aquellas que no llegamos a retener y cuya interpretación y significado nos resulta difícil de digerir. Ya que el mundo ha dejado de ser real tal y como se conocía porque su imagen se ha impuesto. En la actualidad, la verdad y/o realidad es ahora una huella ambigua de lo que fue táctil y presente. Enfrente de la pantalla, la imagen es rápida y fácil de producir, de consumir y plantea muchas preguntas entorno a su recopilación y conservación, puesto que se acumulan incesantemente cuestionando la incógnita sobre qué y cómo se debería archivar. Un exceso que se revela vacuo, donde el espectador/a se encuentra atrapado en una espiral continua de excitación visual que consigue confundir y agotar hasta el punto de sintetizar las imágenes y llevarlas a la abstracción.

 

[Angie Vera (Borriana, 1989)]

Si por algo se caracteriza Angie Vera es por ser una artista plástica, su obra se desarrolla principalmente a través del dibujo y la pintura, dos técnicas que conjuga y suele trasladar al ámbito de lo urbano cuando trabaja en murales de gran formato en la ciudad. Murales con un marcado carácter social y con un mensaje feminista, que la sitúan como una mujer activista preocupada por dar a conocer la historia de los movimientos feministas. Para ella su arte es su manera de mostrarle a la gente que le guste o no, el feminismo existe y lleva muchos años en activo. Por lo que su obra versa sobre mujeres ilustres que retrata perpetuando y evidenciando su causa y existencia, pero también sobre la cotidianidad que envuelve y circunda a cada una de las retratadas. Asimismo, Vera juega con los colores y el efecto que le confiere el blanco y negro, al mismo tiempo que explota las texturas que la pintura y el dibujo le ofrecen en una era, donde lo tecnológico y digital están a la orden del día.

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[1] SANZ, Marta (ed.). Tsunami, Madrid: Sexto Piso, 2019, p.11.

[2] SANZ, Marta (ed.). Tsunami, Madrid: Sexto Piso, 2019, p.12.

[3] MAYAYO, Patricia. Historias demujeres, historias del arte, Madrid: Ediciones Cátedra, 2003, p.21.

[4] ROWBOTHAM, Sheila. Woman’s Conciousness, Man’s World, Londres: Penguin, 1973, p.40.